Voici deux films que je n'avais pas revus depuis leur sortie. 

Je commence par Black Rain (1989) qui n'est pas le film le plus connu de Ridley Scott. L'action se passe un peu à New-York mais beaucoup à Osaka et dans sa région. Nick (Michael Douglas), flic divorcé, père de famille et motard à ses moments perdus assiste, avec son collègue Charlie (Andy Garcia), à l'assassinat en direct de deux Japonais dans un restaurant new-yorkais. Le moment de sidération passé, ils se lancent à la poursuite des meurtriers (Japonais eux aussi). Ils parviennent à appréhender l'un des tueurs, Koji Sato, un Yakuza. Nick et Charlie sont chargés de ramener Sato au Japon pour y être jugé. A l'arrivée à Osaka, grâce à un subterfuge, Sato arrive à s'enfuir. Nick et Charlie, aidés par un inspecteur japonais qui parle anglais, vont tout faire pour le retrouver et ils vont découvrir la pègre japonaise. C'est un bon film d'action qui se passe essentiellement à la nuit tombée quand la ville d'Osaka et ses gratte-ciel sont illuminés. Cela fait pas mal penser au décor de Blade Runner du même réalisateur. 

Collateral de Michael Mann date de 2004. J'ai été très contente de le revoir car je ne me rappelais pas toute l'histoire. Vincent (Tom Cruise, impressionnant) est un tueur à gages sans état d'âme. Venu d'on ne sait d'où, il débarque d'un avion à l'aéroport de Los Angeles. Max (Jamie Foxx) travaille comme chauffeur de taxi de nuit et rêve de se mettre à son compte. Tout le film se passe durant la nuit entre 22h et 4h du matin. Le destin va faire se rencontrer Max et Vincent. Max accepte de prendre Vincent dans son taxi. Ce dernier lui demande de le conduire dans cinq endroits où il doit rencontrer des personnes afin de conclure un contrat. La première personne, un homme que devait rencontrer Vincent, tombe malencontreusement sur le toit du taxi. Il a reçu une balle dans la tête. A partir de là, Max se rend compte que Vincent est un homme dangereux, et il ne sait pas quoi faire pour s'en débarrasser. Désormais, à l'insu de son plein gré, il doit conduire Vincent vers les quatre autres victimes, dont une se produit dans un club de Jazz. La confrontation finale entre Max et Vincent se passe dans le métro. Los Angeles, la nuit, est superbement filmée. On sent que Michael Mann connaît et aime cette ville (aire urbaine) de 17 millions d'habitants. Un très bon film. Lire le billet de Vincent. 

Je dois dire que je n'ai jamais vu autant de films en DVD que ces derniers mois. Comme je ne suis abonnée à aucune plate-forme comme Netflix ou OCS, je profite du support DVD qui est bien pratique, même si le cinéma grand écran, c'est mieux.

Voici trois films ressortis récemment et qui sont brillamment présentés par un trio de choc: le regretté Bertrand Tavernier, Patrice Brion (Le cinéma de minuit) et François Guérif qui livrent leurs  sentiments sur des films peu vus ou peu connus (en tout cas, en ce qui me concerne). 

Je commence par Du plomb pour l'inspecteur (Push-over en VO) de Richard Quine qui date de 1954 (et sorti en février 1955) où apparaît pour la première fois Kim Novak qui avait 21 ans à l'époque. On a fait des comparaisons avec le film de Billy Wilder, Assurance sur la mort, réalisé dix ans plus tôt. Ce n'est pas tout à fait du même niveau, à part le fait que le rôle principal est tenu par le même acteur Fred McMurray, mais la comparaison s'arrête là. Dans Du plomb pour l'inspecteur, il interprète Paul Sheridan, un policier qui tombe amoureux de Lona McLane, une jeune femme, maîtresse d'un gangster qui vient de commettre un hold-up. Evidemment, le policier ne sait pas trop quoi faire entre son devoir et et ses sentiments. Kim Novak est bien et il faut noter la présence de Dorothy Malone, dans un rôle pas si secondaire que cela. Pour l'anecdote, le réalisateur est tombé amoureux de Kim Novak et il l'a fait tourner dans trois fims par la suite dont L'adorable voisine en 1958. 

Je passe à Des pas dans le brouillard (Footsteps in the Fog en VO) d'Arthur Lubin (réalisateur américain qui m'est inconnu mais qui a fait débuter Clint Eastwood au début des années 50). Le film est sorti en France en 1955. Il réunit Stewart Granger et Jean Simmons qui étaient mari et femme à l'époque. Il faut noter que le chef opérateur de ce film, Christopher Challis, a travaillé sur les films les plus connus de Michael Powell et Emeric Pressburger à la fin des années 40. Tout cela pour dire que ce film de genre "gothique" se laisse voir agréablement, avec une très belle photo. Au tout début des années 1900, Stephen Lowry vient d'assister à l'enterrement de son épouse morte subitement. Revenu dans sa grande demeure, Stephen Lowry, en regardant un tableau représentant sa femme défunte, se met à sourire. C'est lui qui l'a empoisonnée. Il va pouvoir profiter des biens que sa femme lui a laissés. Mais il néglige le fait que Lily Watkins, la servante de la maison, avec ses jolis yeux et son air mutin, sait ce qui s'est passé. Et elle va le faire le faire chanter en lui demandant de devenir la gouvernante de la maison. Je vous laisse découvrir la suite. 

Je termine avec Le Dahlia bleu (The Blue Dahlia) de George Marshall, d'après un scénario de Raymond Chandler (qui été nommé aux Oscars). Le film sorti en 1948 en France réunit Veronica Lake et Allan Ladd. Johnny Morrison (Alan Ladd) vient d'être démobilisé. Il revient à Los Angeles avec deux camarades de la marine dont l'un a quelques troubles neurologiques. Il porte une plaque de métal à un endroit de son crâne. Johnny s'empresse d'aller retrouver sa femme qui semble s'être consolée de la mort de leur jeune fils dans les bras d'un autre, Eddie Harwood (Howard da Silva), patron d'un club, "Le dahlia bleu". Johnny très en colère part très vite, et le lendemain, la femme de Johnny est retrouvée morte chez elle. Evidemment, tout accuse Johnny qui va trouver un soutien inattendu en la personne de Joyce Harwood (Veronica Lake), séparée de son mari. Bertrand Tavernier rappelle qu'Howard da Silva était un très bon acteur qui a été victime du McCarthysme. On n'a pas manqué de nous rappeler qu'Allan Ladd étant petit par la taille, ses partenaires féminines étaient filmées souvent assises face à lui, ou alors, il était filmé sans que l'on voit le bas de ses jambes car il était monté sur quelque chose pour le surélever. Raymond Chandler a été obligé de reécrire la fin car la marine des Etats-Unis ne pouvait pas accepter que l'un des leurs soit un meurtrier. 

Je vous suggère de voir les suppléments avant de visionner chaque film de cette "Collection film noir". Ils situent bien chaque oeuvre.

Les enchaînés (Notorious en VO) d'Alfred Hitchcock est un film de 1946, année où se déroule l'intrigue. A Miami, Alicia Huberman (Ingrid Bergman) assiste au procès de son père accusé de haute trahison envers les Etats-Unis. C'est un espion d'origine allemande. Peu de temps après, le père d'Alicia se suicide en prison. Alicia, qui n'avait pas les mêmes idées que son père, est approchée par le FBI en la personne de Devlin (Cary Grant). Celui-ci tombe sous le charme d'Alicia. Ils échangent un baiser de cinéma devenu célèbre car c'est le baiser le plus long du cinéma. Envoyée au Brésil, à Rio, avec Devlin, Alicia est chargée de séduire Alex Sebastian, le chef d'un groupe d'hommes qui ont encore des sympathies nazies. Ce groupe semble préparer quelque chose de terrible. Je n'avais pas revu le film depuis longtemps et je ne me rappelais plus l'enchainement des événements dont une visite dans une cave à vin bien fermée et que l'on ouvre grâce à une clé échangée de main à la main. Il y a aussi l'empoisonnement d'Alicia à petit feu par Alex devenu son époux et la mère de celui-ci. Le film dure 1H37. Et c'est du très grand Hitchcock avec un très beau noir et blanc. Ingrid Bergman et Cary Grant sont bien, même si j'ai trouvé celui-ci un peu plus terne que dans d'autres films. Je ne sais pas comment dire. Sinon, en bonus, il y a une conversation entre Hitchcock et Truffaut qui est reprise dans le livre connu "Hitchcock Truffaut" que je vous conseille. Cela dure 29 minutes, on n'est pas allé jusqu'au bout car on entend surtout parler François Truffaut qui est traduit par Helen Scott, et Alfred Hitchcock, en guise de réponses, émet plus de borborygmes qu'autre chose. Au bout de 10 minutes, on a arrêté, c'est crispant. Dommage. 

Rien que pour Audrey (Hepburn) et Cary (Grant), il faut (re)voir Charade de Stanley Donen (1963), cette divine comédie qui se passe pour l'essentiel à Paris. Regina ("Reggie") Lampert (Audrey Hepburn) a décidé de divorcer de son mari Charles qui -manque de chance- vient de mourir, en ayant été poussé d'un train entre Paris et Bordeaux. En revenant d'un séjour aux sports d'hiver, Reggie trouve son immense appartement entièrement vide. Elle apprend que son mari est décédé, qu'il avait 4 passeports, qu'il a vendu tous les meubles de l'appartement et qu'il partait à l'étranger. Reggie se rend compte qu'elle ne connaissait pas vraiment son mari, qui n'avait pas de famille. Trois "méchants" se mettent à la poursuivre car ils veulent récupérer un magot de 250 000 dollars-or qu'a priori Charlie voulait garder pour lui seul. Heureusement qu'un certain Peter Joshua vient à son secours, même si lui aussi semble intéressé par retrouver ledits 250 000 dollars. Le film est mené tambour battant. Audrey Hepburn porte différentes tenues Givenchy à chaque nouveau plan. Le Palais Royal, le théâtre du Palais Royal, le théâtre de Guignol des Champs-Elysées, le marché aux timbres, le métro, les promenades sur la Seine et même Notre-Dame de profil sont mis en valeur. Les "méchants" comme James Coburn ou George Kennedy ont l'air de bien s'amuser. Un film très sympa en cette période morose.

Décidément, je n'arrête pas de chroniquer des films de Sidney Lumet. Après The Verdict, Le gang Anderson, Network, The Offense, La colline des hommes perdus, voici un billet sur deux films très différents, Serpico (1973) et Le crime de l'Orient-Express (1974).

Serpico est une sorte de biographie filmique sur un flic, Franck Serpico (né en 1936), qui a voulu rester intègre pendant les 11 ans où il a été policier de terrain à New-York. Il a constaté pendant cette période que des collègues était corrompus: ils rackettaient différentes personnes dont des dealers. Pendant onze ans, on le voit changer de coiffure, se faire pousser la barbe, les cheveux et la moustache, se fondre dans le décor, mais pas une fois il n'a pas voulu prendre l'argent qu'on lui proposait. Il s'est bien entendu mis tous ses collègues à dos sauf quelques-uns. Il a eu plusieurs petites amies qui l'ont laissé tomber parce que Serpico faisait passer son métier avant tout. Malgré les menaces et fausses accusations (comme celui d'être homosexuel) venant de toutes parts, Serpico a tenu bon jusqu'à témoigner dans une commission. Ce fut un vrai lanceur d'alerte. Dans les bonus, on apprend que les premières scènes du film ont été tournées à la fin quand Al Pacino a pu se raser la moustache, la barbe et qu'il a pu se faire couper les cheveux. Il y a une interview de Franck Serpico qui dit que certaines scènes ne sont pas fidèles à ce qu'il a vécu. Après avoir reçu une balle en plein visage lors d'une arrestation au domicile de dealers de drogue, il est devenu sourd d'une oreille et il a des douleurs à la tête à cause de fragments de balle qui n'ont pas pu être enlevés. Je crois que je n'avais jamais vu ce film en entier. Il m'a bien plu. 

Il y a longtemps que je voulais parler du Crime de l'Orient-Express (1974) d'après le roman d'Agatha Christie. C'est autre chose que le film récent de Kenneth Branagh. Le film de Sidney Lumet, c'est surtout le plaisir de voir des acteurs de légendes comme Lauren Bacall, Richard Widmark, Ingrid Bergman, Albert Finney dans le rôle de Poirot, Jacqueline Bisset, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, John Gielgud, Michael York, Jean-Pierre Cassel et même Sean Connery qui est très bien. Je ne vous ferai pas l'injure de vous raconter l'histoire que tout le monde connaît. Je l'ai vu à l'époque de sa sortie où il y avait encore des ouvreuses qui passaient dans les salle pour vendre bonbons et chocolats glacés. Nostalgie quand tu nous tiens...

Je crois que je n'avais jamais vu ce film de Sidney Lumet qui date de 1971. Le gang Anderson (The Anderson tapes en VO, littéralement parlant Les enregistrements Anderson) nous fait découvrir Christopher Walken dans son premier grand rôle au cinéma, il avait 28 ans et faisait presque gamin avec ses cheveux ébouriffés. Le gang Anderson permet à Sean Connery de retrouver le réalisateur avec qui il avait tourné La colline des hommes perdus en 1966. En 1973, il tournera de nouveau avec Lumet pour The Offense avant de le retrouver pour Le crime de l'Orient-Express en 1974. Dans Le gang Anderson, il interprète un Britannique qui sort tout juste de prison après avoir purgé une peine de 10 ans. Au vu du titre français, on s'attend à une histoire de gangsters. C'est en partie le cas mais pas uniquement. Le film fut vraiment le premier à traiter de la présence envahissante de la surveillance dans le domaine public ou privé. Dès que Duke Anderson (Sean Connery) sort de prison, il se rend illico chez sa maîtresse Ingrid (Dyan Cannon) qu'il n'a pas vu depuis 10 ans. Elle vit dans un somptueux appartement dans l'East side de New-York. On constate assez vite qu'Ingrid est surveillée même pendant ses ébats. Des fils dépassent de partout et en sous-sol, des bandes magnétiques enregistrent ce qui se passe dans l'appartement. C'est l'oeuvre d'un homme qui paye le loyer. Tout de suite, Duke a l'idée de cambrioler tous les appartements de l'immeuble car il devine qu'il y a plein de choses de valeur à dérober. Pour ce faire, avec l'aide d'un homme de la mafia, ll constitue une équipe de quatre personnes dont chacune individuellement est surveillée par différentes instances fédérales, le FBI, le bureau des narcotiques ou le département du fisc, mais pour d'autres raisons que ce vol à grande échelle. Et comme ces instances ne communiquent pas entre elles, elles n'anticipent pas ce qui va arriver. Parmi les victimes du cambriolage vivant dans l'immeuble, un jeune garçon hémiplégique va être le grain de sable qui va tout faire rater. Le film bénéficie d'une très bonne bande-son composée par Quincy Jones. Sean Connery est une fois de plus excellent. Mention spéciale à Martin Balsam qui interprète un homosexuel pas ridicule du tout. Du grand art. Un film à découvrir. Il faut noter qu'en bonus, il y a la présentation du film par Bertrand Tavernier, Patrick Brion et François Guérif.

J'ai découvert récemment un film de Joseph L. Mankiewicz que je n'avais encore jamais vu, Guêpier pour trois abeilles (The Honey Pot en VO) qui date de 1967. C'est l'avant-avant-dernier film réalisé par Mankiewicz, qui en a aussi écrit le scénario. L'histoire est inspirée de la pièce Volpone (le Renard en italien) de Ben Jonson qui date de 1606. Je vous conseille d'ailleurs de la lire. En préambule, on voit un homme, Cecil Fox, tout seul dans un théatre (La Fenice) pour qui des acteurs jouent justement la pièce Volpone. Dans le plan suivant, dans son palais vénitien, Cecil Fox (renard en anglais), un homme richissime, embauche un certain McFly (Cliff Robertson) pour lui servir de secrétaire. Il charge ce dernier de demander à trois anciennes maîtresses de venir le rejoindre dans son palais. Il va leur faire croire qu'il est mourant et qu'il va léguer sa fortune à l'une d'entre elles. Parmi les trois, il y a Mrs Sheridan (Susan Hayward qui était une actrice que j'aimais beaucoup) accompagnée de sa dame de compagnie/infirmière Miss Sarah Watkins (Maggie Smith toute jeunette - elle avait 33 ans à l'époque - et absolument ravissante). Les deux autres sont la princesse Dominique (Capucine) et Merle McGill (Edie Adams). Cecil Fox a élaboré tout un scénario qui ne va se passer du tout comme il l'imaginait. C'est une histoire de manipulation dans laquelle il va être piégé sans qu'il s'en soit rendu compte. Par rapport à la pièce de Ben Jonson, il y a une intrigue amoureuse, et Miss Watkins est celle qui va tirer les ficelles de l'intrigue. Les dialogues très écrits sont brillants. Cela fait très pièce de théâtre avec l'unité de lieu et d'action. Je pense que ce n'est pas le film le plus connu de Mankiewicz, essayez de le voir rien que pour la dernière scène, la place Saint-Marc de Venise vide. 

Je viens de revoir une agréable série B, réalisée par Don Siegel (son troisième long-métrage) en 1949, avec un Robert Mitchum plus nonchalant que jamais face à Jane Greer, avec qui il avait tourné La griffe du passé (Out of the Past) de Jacques Tourneur deux ans auparavant (en 1947). Ca commence à Vera Cruz (The Big Steal en VO), filmé en noir et blanc, se passe au Mexique. Le lieutenant Duke Hathaway (Robert Mitchum) est accusé à tort d'un vol de plus de 300 000 dollars à l'armée. Il est sur les traces du vrai voleur, un nommé Jim Fiske. Hathaway est lui-même poursuivi par le capitaine Vincent Blake (William Bendix) qui croit qu'Hathaway est le vrai voleur. Dans sa fuite, Hathaway se trouve une alliée, Joan Graham, qui devait se marier avec Fiske. On constate très vite que Fiske est un fieffé coquin qui n'a pas hésité à laisser tomber Joan. L'essentiel du film se passe sur des routes du Mexique avec une course poursuite entre trois voitures: celle de Fiske, celle conduite par Hathaway et Joan alternativement, et enfin celle de Drake. Le rythme du film de 71 minutes est aussi rapide que les voitures. Un film qui se laisse voir. Les blogs L'oeil sur l'écran, Shangols ou les Chroniques du cinéphile stakhaniviste l'avaient évoqué il y a quelques années. Cf. aussi Sid280, Salles obscures 2.

Lors d'une émission Le Masque et la Plume où les critiques donnent leur opinion, une semaine sur deux, sur des films plus ou moins récents, il a été question des deux versions de Elle et Lui (Love Affair en VO) de Leo McCarey. Je me suis empressée de me procurer les deux versions. La plus récente (avec Cary Grant et Deborah Kerr) date de 1957 (An Affair to Remember en VO). C'est la version la plus connue. Je préfère pour le moment évoquer la version de 1939 en noir et blanc avec Irene Dunne et Charles Boyer. Avec mon ami, on eu la larme à l'oeil à la fin. En préambule, je dirai que la copie disponible en DVD est magnifique. C'est grâce au MoMa (Museum of Modern Art) de New York, qui possédait une vieille copie du film en 35 mm, qu'une restauration a pu se faire, assez récemment. Je ne me rappelais plus bien l'histoire. Terry McKay (Irene Dunne) et Michel Mornayn (Charles Boyer, avec un accent irrésistible), tous les deux fiancés chacun de leur côté, se rencontrent sur un paquebot naviguant vers New-York. Terry est chanteuse et Michel artiste-peintre pas très riche. Ils tombent amoureux et se donnent rendez-vous dans six mois en haut de l'Empire State Building à Manhattan. Six mois plus tard, Michel qui a annulé ses fiançailles, est au rendez-vous, Terry, qui est prête à se marier avec Michel, n'y sera pas... J'ai découvert qu'Irene Dunne avait une très belle voix et j'ai trouvé que Charles Boyer était touchant. Il ne faut pas oublier un troisième personnage qui apparaît dix minutes dans le film, la grand-mère de Michel qui vit à Madère. Elle est en possession d'un beau châle que l'on retrouvera à la fin du film. Un très beau mélo pas mièvre que je vous recommande vivement. 

Avec Robert Mitchum, Paul Newman a été mon grand béguin de cinéma dès mon adolescence. Dans Luke la main froide (Cool Hand Luke en VO) de Stuart Rosenberg (1967) que je n'avais pas vu depuis très longtemps, Paul Newman interprète Luke Jackson, un homme condamné à deux ans de travaux forcés pour avoir vandalisé des parcmètres. A priori, l'histoire se passe dans les années 50. Luke ne quitte jamais son petit sourire en coin. Il est rebelle à l'autorité, il ne supporte pas d'être en prison. Il n'a de cesse de s'évader pour mieux être rattrapé. Comme punition, il va connaître le cachot et ensuite, il va être enchainé à d'autres prisonniers qui se mettent à l'admirer pour sa tenacité. Il devient un héros sauf aux yeux de sa mère qui vient le voir. La scène entre le fils et la mère, qui décède peu de temps après, est un moment fort du film, tout comme le pari de Luke d'avaler 50* oeufs durs en une heure. Face à Luke et aux autres prisonniers, il y a le directeur du camp et ses adjoints qui sont particulièrement retors et sadiques. A un moment donné, le directeur parle d'échec dans sa communication avec Luke quand celui-ci s'évade pour la énième fois. Bien entendu, l'histoire se termine mal pour Luke. Mais pendant la durée du film, on aura passé un bon moment. Paul Newman est magnifique avec ses beaux yeux bleus. 

*Et non 70, comme Laurent et Ronnie me l'ont fait justement remarquer.

Je me rappelle très bien quand je suis allée voir Les trois jours du Condor (Three Days of the Condor en VO) de Sydney Pollack. Ma maman qui m'a donné le virus du cinéma m'accompagnait. Le film est sorti en France en novembre 1975. J'avais 13 ans et demi. Je sais que je n'avais pas tout compris de l'histoire à l'époque mais c'était le plaisir de voir Robert Redford à l'écran. Et l'histoire se passe à New-York... Je rappelle, pour ceux qui l'ignorent, que l'histoire est inspirée du roman de James Grady Les six jours du Condor, paru en 1974. Joseph Turner travaille avec le nom de code "Condor" pour une unité clandestine de la CIA. Ses six collègues et lui sont installés dans une maison de ville avec l'enseigne "American Literary Historical Society" dans une rue de Manhattan. Ils épluchent journaux, livres, diverses publications, afin de découvrir des messages secrets et/ou des informations utiles. Un jour, à l'heure du déjeuner, Joseph part chercher à déjeuner pour tout le monde. Quand il revient, il constate que ses collègues ont tous été assassinés. Il s'enfuit immédiatement. Il se rend compte qu'il est poursuivi en particulier par un tueur froid et méthodique, Joubert (Max Von Sidow). Dans sa fuite, Joseph va enlever Kathy Hale (Faye Dunaway), une photographe indépendante qui est plus ou moins forcée à l'aider. Cela va déboucher sur une relation amoureuse qui n'apporte pas grand-chose et qui ralentit le rythme. Dommage car l'intrigue est haletante, et New-York bien filmée (on voit les tours du World Trade Center). C'est un fim américan comme on n'en voit plus beaucoup. Je conseille et je constate qu'après Yakuza, c'est le deuxième film de Sydney Pollack que je chronique en trois jours.

Parmi mes films préférés avec Robert Mitchum, je vous conseille Yakuza de Sydney Pollack (1974), sorti en 1975 en France. Robert Mitchum interprète Harry Kilmer, un ancien policier militaire pendant la Seconde guerre mondiale devenu ensuite détective privé (mais il est maintenant à la retraite). Il a quitté le Japon vingt ans auparavant après y avoir vécu quelques années au côté d'une Japonaise, Eiko et de sa fille Hanako, dont il avait sauvé les vies quand la ville de Tokyo avait été bombardée. Quand l'histoire débute, Georges Tanner (Brian Keith), un ami d'Harry, demande à ce dernier de partir au Japon. En effet, la fille de Tanner a été enlevée par un gang de yakuzas car Tanner n'a pas respecté son engagement de livrer des armes alors qu'il a été payé. Arrivé à Tokyo, Harry commence par aller voir Eiko et Hanako avant d'aller jusqu'à Kyoto pour revoir Tanaka, le frère de Eiko. Tanaka a été yakuza pendant plusieurs années après la guerre, mais il ne l'est plus. Cela ne l'empêche pas d'aider Harry dans son entreprise. Je ne me rappelais pas que l'image était si belle. Pollack donne envie d'aller visiter le Japon. Il y a des plans d'intérieurs superbes. Robert Mitchum est très bien et il n'écrase pas ses partenaires japonais qui sont tous excellents. La fin du film est très émouvante. J'ai bien apprécié la musique de Dave Grusin qui donne un côté jazzy au film. 

Je ne suis pas une grande fan de John Wayne, mais après que mon ami Ta d loi du cine a beaucoup insisté, j'ai vu deux films avec lui que je ne connaissais pas ou peu, Chisum d'Andrew McLaglen (1970) et Le barbare et la Geisha de John Huston (1958), et un troisième sans lui (sans John Wayne, je veux dire).

Chisum est un film qui se passe dans le comté de Lincoln dans le territoire du Nouveau Mexique à la fin des années 1870. John Chisum a vraiment existé, Il a possédé plus de 100 000 têtes de bétail dont certaines ont servi à nourrir l'armée. Dans le film, Chisum (John Wayne) doit affronter Lawrence Murphy, un homme avide qui aimerait s'approprier les terres de Chisum, entre autres acquisitions. Il ne recule devant rien. Heureusement, Chisum reçoit de l'aide de Billy the Kid et Pat Garrett qui sont des personnages plutôt sympathiques dans l'histoire. Le film se laisse voir agréablement ainsi que le documentaire sur John Wayne et Chisum. On voit des moments du tournage. John a coproduit le film par l'intermédiaire de sa boîte de production Batjac créée en 1952.

Le barbare et la Geisha de John Huston nous fait découvrir un John Wayne surprenant. L'histoire se passe en 1856 au Japon, qui, après 200 ans d'isolement, s'ouvre à l'Occident. Il interprète Townsend Harris (1804-1878) qui doit devenir le premier ambassadeur américain au Pays du Soleil Levant. Il est accompagné par Henry Heusken (Sam Jaffe) qui lui sert d'interprète. L'accueil des Japonais dont le gouverneur de la province est glacial. Townsend n'est vraiment pas le bienvenu mais il ne se laisse pas intimider. Les Japonais croient que cet Américain va provoquer la colère des Dieux et ils décident de l'espionner en lui envoyant une Geisha, qui doit rapporter tout ce qu'elle voit et entend. Une épidémie de choléra va changer la donne. Townsend montre son courage à cette occasion. Il va devenir un héros aux yeux des Japonais. Une découverte filmique intéressante. 

Je termine avec Victor Victoria de Blake Edwards, un film de 1982 vu à l'époque de sa sortie. C'est à nouveau mon ami Ta d loi du cine qui a insisté pour qu'on le revoie. Je ne le regrette pas. Ce film musical se passe à Paris dans les années 30, Victoria Grant (Julie Andrews), une chanteuse sans le sou, n'arrive pas à trouver du travail, et pourtant elle a un joli brin de voix. C'est grâce à un homosexuel quinquagénaire appelé Toddy (Robert Preston, très bien) qu'elle va se travestir et devenir "Victor". Elle fait sensation dans les cabarets jusqu'au jour où un producteur américain qui assiste à un de ses spectacles est attiré par celle qu'il croit être un homme. Presque 40 après l'avoir vu, je trouve que le film n'a pas vieilli. Il est plein d'allant. Julie Andrews, Robert Preston et James Gardner sont excellents, et il faut noter la musique d'Henry Mancini et trois des chansons du film: "Gay Paree", "Le Jazz Hot" et "The Shady Dame From Seville". 

Voici trois films que je n'aurais pas forcément (re)vus sans le confinement. 

Je commence avec Le dernier train du Katanga (1968, titré The Mercenaries en VO) de Jack Cardiff qui a été aussi un chef opérateur reconnu (Pandora, Les chaussons rouges, Le Narcisse noir, Les Vikings ou L'odyssée de l'African Queen). Le dernier train du Katanga s'appuie sur des faits réels : la décolonisation du Congo Belge, et la rébellion Simba. Des mercenaires dont un ancien nazi et un médecin alcoolique sont chargés par le nouveau président de la République démocratique du Congo d'aller chercher en train des colons menacés de morts et 50 millions de dollars en diamants entreposés dans le coffre d'une compagnie minière. Autant le voyage à l'aller se déroule sans anicroches ou presque, autant sur place et au retour, rien n'ira comme prévu. J'ai bien apprécié ce film assez violent pour l'époque qui a été tourné à la Jamaïque. En revanche, la fin m'a déconcertée.

Je passe au film de Don Siegel sorti en 1970, Sierra Torride (Two mules for Sister Sara en VO) avec Clint Eastwood et Shirley Maclaine. L'histoire se passe au Mexique durant l'intervention des Français entre 1861 et 1867. Ces derniers souhaitaient installer un régime favorable à leurs intérêts. Hogan (Eastwood) est un mercenaire payé par les Mexicains (Juaristes). Il doit trouver les failles d'un fort tenus par les Français. Sur son chemin, il sauve Sara (McLaine), une religieuse qui allait être violée par trois individus. Elle déclare qu'elle est aussi pourchassée par les Français. Ce couple improbable mais sympathique va faire route ensemble. Sara va montrer sa débrouillardise et on va découvir qu'elle n'est pas ce que son habit fait croire. Le film est une comédie qui se laisse voir.

Avec Police Fédérale Los Angeles de William Friedkin (1985), on est assuré de voir un film haletant. A l'époque, Willem Dafoe, John Turturro ou William L. Petersen n'étaient pas encore très connus. A Los Angeles, Rick Masters (Willem Dafoe), peintre et faux-monnayeur, fait tuer Hart, un agent fédéral qui était sur ses traces. Richard Chance (William L Petersen), le co-équipier de Hart, décide de venger son collègue. Tout va très vite comme une course poursuite en voiture d'anthologie. Je ne me rappelais pas que ce film était si bien. Je vous le recommande.

Ayant un grand nombre de DVD chez moi, j'en profite pour voir des films pas vus depuis longtemps.

Je commence par Chaînes Conjugales de Joseph L. Mankiewicz (1949) que je viens de me procurer tout récemment. Chaînes conjugales se passe quelque part dans une petite ville américaine. C'est l'histoire de trois femmes qui apprennent par une lettre écrite par une amie commune, Addie Ross, que celle-ci va partir avec le mari de l'une d'entre elles. Par des retours en arrière, on découvre la vie de Deborah, Lora Mae et Rita. Deborah a rencontré son mari alors qu'ils étaient tous les deux engagés dans la marine pendant la guerre. Depuis, Deborah a du mal à s'adapter à la vie civile et elle dépend financièrement de son mari. Lora Mae, elle, issue d'une famille pas très riche, a été longtemps courtisée par son employeur mais elle ne s'est pas laissée facilement séduire. Quant à Rita, elle écrit des feuilletons radiophoniques, elle gagne plus que son mari, simple professeur de collège (Kirk Douglas tout jeunot). Le film montre que la vie des femmes américaines de cette époque (et encore un peu aujourd'hui) n'était pas facile. En ce qui concerne Addie Ross, on ne la voit jamais mais on l'entend surtout quand le film débute et à la toute fin. Un film que j'ai beaucoup apprécié. Je ne vous dévoilerai bien évidemment pas quel est le mari qui sera infidèle (?) à sa femme. Dans les bonus du DVD, il y a la deuxième partie de l'interview de 1983 de Joseph L. Mankiewicz débuté dans Le château du dragon. Je l'ai trouvé très intéressante car il parle d'Hollywood, de sa rencontre avec Josef von Sternberg, Fritz Lang, W. C. Fields. On sent sa frustration de ne plus tourner. Il dit que les robots et les vaisseaux spatiaux, ce n'était pas pour lui. C'est un réalisateur qui aimait les grands acteurs et Dieu sait s'il en a fait tourner, de Brando à Liz Taylor, de Gene Tierney à Kirk Douglas, de Katharine Hepburn à Montgomery Clift, et Bette Davis, Ava Gardner, James Mason et son dernier film que j'aimerais bien revoir, Le limier (un chef-d'oeuvre, Sleuth en VO, 1972) réunissait Laurence Olivier et Michael Caine. Mankiewicz est décédé en 1993.

Justement, à propos à propos de Michael Caine, j'ai revu un film "noir" anglais qui se passe à Newcastle, La loi du milieu (Get Carter en VO) de Mike Hodges (1971) où l'acteur interprète le rôle de Jack Carter, un tueur qui exécute ses contrats sans état d'âme et avec méthode dans la région de Londres. Il apprend que son frère Franck, qui vivait à Newcastle, vient de mourir. Carter se rend aussitôt dans cette ville du nord-est de l'Angleterre et il se rend compte que la mort de son frère n'est pas accidentelle. Il mène une enquête qui va le faire devenir un justicier sans pitié. Je ne dirai rien de plus sur cette histoire car il y a du suspense jusqu'au bout, même si on peut deviner que tout cela va mal se terminer. Michael Caine est vraiment bien et il faut noter que l'histoire est ancrée dans l'époque avec les femmes court vêtues, les voitures, la musique très années 60. Un très bon film. 

Plus de 40 ans après, j'ai revu Network de Sidney Lumet (1976). A l'époque, j'étais adolescente et j'avais trouvé le film un peu long. Pour tout dire, j'avais été moyennement emballée. Et bien, en le revoyant en 2020, j'ai changé d'avis. Le film n'a rien perdu de son actualité. En 1976, la télévision était le moyen de communication principal pour informer les gens. A l'époque, la presse écrite commençait à être un peu en perte de vitesse. Le réseau de chaînes de télé UBS vient de virer Howard Beale (Peter Finch) après vingt ans de bons et loyaux services en tant que présentateur du journal du soir. Et ce, malgré les protestations de Max Schumacher (William Holden). Le soir même à l'antenne, Howard annonce que dans une semaine, il va se suicider en direct. Cette nouvelle provoque une hausse immédiate de l'audimat. Flairant une aubaine, la nouvelle directrice des programmes très ambitieuse, Diana Christensen (Faye Dunaway) donne carte blanche à Beale qui devient un gourou pour des millions de spectateurs. Tout ce que Beale demande ou énonce provoque des réactions dans tout le pays. Jusqu'à ce que Beale devienne hors de contrôle. Aujourd'hui, la télévision a été supplantée par les réseaux sociaux pour en arriver à des résultats similaire. Le film est très bien réalisé avec des acteurs remarquables. Il faut noter la qualité des dialogues : c'est devenu rare. Le film a raflé quatre Oscars en 1977 dont l'Oscar du meilleur acteur amplement mérité à Peter Finch à titre posthume. L'acteur était décédé à 60 ans d'une crise cardiaque peu de temps avant la cérémonie. Je recommande vivement ce film. 

Je sors de ma torpeur confinée pour évoquer deux films de Joseph L. Mankiewicz que j'ai revus récemment en DVD. A défaut de cinéma grand écran, heureusement qu'il y a le cinéma "en boîte".

Je chronique les deux films ensemble pour une raison: Gene Tierney est l'actrice principale des deux.

Le château du dragon date de 1946, L'aventure de Mme Muir de 1947.

Je ne me rappelais pas trop Le château du dragon (Dragon Wyck en vo) qui est le premier film du réalisateur. Il se passe dans les années 1840 dans le Connecticut. Miranda, l'une des filles d'un fermier est invitée par un cousin éloigné de sa mère. Nicholas Van Ryn (Vincent Price) est un riche propriétaire terrien qui vit dans un château avec sa femme alitée, sa fille adolescente (dont Miranda doit s'occuper) et des domestiques. Miranda est ravie dès son arrivée de vivre dans cette demeure mais Nicholas se révèle vite être un homme tyrannique qui rêve d'avoir un garçon. Il méprise les fermiers qui vivent sur ses terres. La femme de Nicholas décède assez brutalement et bien évidemment Nicholas épouse Miranda. L'histoire fait penser à Rebecca et Jane Eyre mais c'est tout de même assez différent dans le ton et la fin est plus sombre. J'ai aimé le film sans plus mais Gene Tierney est bien jolie.
En revanche, il y a quelques bonus intéressants dont la première partie d'un documentaire sur Joseph L. Mankiewicz: All about Mankiewicz qui date de 1983 dans lequel le réalisateur évoque sa vie avant son arrivée à Hollywood.

L'aventure de Mme Muir (soit The Ghost and Mrs. Muir) est un bien joli film qui raconte l'histoire d'une jeune veuve et de sa petite fille (interprétée par Natalie Wood toute gamine). Lucy Muir quitte Londres et sa belle-famille pour s'installer au bord de mer avec sa fille et une domestique dévouée dans une belle maison qui a appartenu à un capitaine de la marine (Rex Harrison) décédé par accident. Le fantôme du capitaine avec sa voix de stentor a fait fuir tous les locataires avant elle. Mais Lucy ne s'en laisse pas compter. Elle se met à converser avec lui. Cela durera un an, le temps que le capitaine dicte à Lucy un manuscrit qui devient un best-seller. Puis le capitaine s'efface devant Miles Fairley (George Sanders) qui courtise Lucy. Cette dernière va découvrir que Miles n'est qu'un coureur de jupons, marié et père de famille. Elle restera seule le reste de sa vie en attendant de rejoindre un jour son capitaine. Par un simple plan de mer agitée, le temps passe et Lucy vieillit. Elle se promène le long du rivage. La fin m'a tirée des larmes aux yeux. Un film à (re)voir. Mon DVD ne comporte aucun bonus.

Je commence par Peninsula de Sang-ho Yeon. Il s'agit d'une suite qui se passe quatre ans après Dernier train pour Busan du même réalisateur. Pascale et Maggie ont trouvé cette suite ratée par rapport au premier volet. Eh bien moi, j'ai aimé cette histoire dont la trame m'a beaucoup fait penser à New-York 1997 de John Carpenter. Après qu'un virus a transformé presque toute la population sud-coréeenne en zombie, la Corée du Sud qui est une péninsule est devenue un "no man's land". L'essentiel de l'histoire se passe à Incheon, une ville portuaire devenue une ville fantôme. Arrivent de Hong-Kong, par bateau cargo, quatre volontaires sud-coréens qui ont réussi à échapper au virus. Ils seront grassement payés s'ils arrivent à retrouver et prendre le contrôle d'un camion plein de dollars américains. Ils devront le ramener sur le bateau. Sur place, ils retrouvent très vite le camion mais bien évidemment, le voyage de retour vers le port ne se déroule pas comme prévu. Les zombies et des membres d'un gang vont se mettre en travers de leur route. Une mère et ses deux filles ainsi qu'un vieil homme vont intervenir pour aider un des protagonistes. Les courses-poursuites en voiture manquent de réalisme, la fin est un peu grandiloquente, mais j'ai vraiment passé un bon moment devant ce film. Ffred l'a aussi bien apprécié.

Je passe à un drame horrifique australien, Relic réalisé par Natalie Erika James qui a co-écrit le scénario. Une femme, Kay (Emily Mortimer) qui vit à Melbourne emmène sa fille Sam vers la maison de la grand-mère Edna qui a disparu depuis trois jours. Arrivées sur place, elles s'installent dans la maison très isolée pas loin des bois. Edna reparaît le troisième matin comme si de rien n'était. Elle a un comportement étrange, Elle passe de la gentillesse à l'agressivité envers Sam qui essaye de se rapprocher d'elle. Edna se gratte et on peut apercevoir une grosse tache noire qui s'est formée sur sa poitrine. Elle semble ne plus avoir toute sa tête. Et puis on se rend compte que la maison aussi est bizarre et décrépite, qu'elle renferme des pièces cachées. La nuit, Kay et Sam entendent des bruits. Comme l'a écrit Maggie, les dernières scènes sont terribles et horrifiques. Je ne m'attendais à une telle fin. Pour information, l'acteur Jake Gyllenhaal est coproducteur de Relic.

Je termine avec Kajillionnaire de Miranda July que Pascale a adoré et qui, moi, m'a mise très mal à l'aise. Old Dolio est une jeune femme aux cheveux longs de 26 ans habillée avec des vêtements de garçon dans lesquels elle nage. Elle parle avec une voix grave, elle ne supporte pas qu'on la touche et surtout elle est la complice de ses parents, Thérésa et Robert, qui vivent de larcins. Ils se servent d'elle sans aucun scrupule et ils n'ont aucun geste de tendresse envers elle. On se rend compte que ce sont des monstres. Un jour dans un avion, le trio fait la connaissance de Mélanie, une jeune Latino pleine de vie qui va chambouler la vie d'Old Dolio. Mais au final, je n'ai pas aimé et j'ai été contente quand le film s'est terminé. Lire le billet de Tororo.

A part ça, j'ai vu 42 films depuis le 22 juin dernier, jour de réouverture des cinémas. J'espère que j'aurais la possibilité d'en revoir avant le 31 décembre prochain [2020]... Je reprends des expressions de mon ami ta d loi du cine : "Ceinture pour le cinéma, tintin pour le théâtre", presque rien du tout pour les librairies. Je ne parle même pas des expositions. J'espère que ce cauchemar va prendre fin un jour.

Josep du réalisateur et dessinateur Aurel est un film d'animation qui nous raconte une période peu connue et peu glorieuse de la France. En 1939, les Républicains Espagnols sont arrivés par milliers en France pour fuir l'Espagne de Franco. Ils n'ont pas vraiment été bien accueillis par la France. Beaucoup se sont retrouvés dans des camps de concentration comme celui de Rivesaltes. Plusieurs années plus tard, un gendarme qui vit ses derniers jours raconte à son petit-fils sa rencontre avec Josep, un dessinateur et homme politique catalan, dans un camp dont il était un gardien. La vie de Josep Bartoli est évoquée jusqu'à son exil aux Etats-Unis après le deuxième conflit mondial. Dès les premières images, j'avoue que j'ai eu un problème. L'histoire n'est pas en cause mais j'ai été perturbée par cette animation hachée où les personnages apparaissent et disparaissent de l'image pour donner une impression de mouvement. C'est une manière de faire trop abstraite à mon goût. Comme film d'animation français, j'ai nettement préféré Les hirondelles de Kaboul. Lire les billets de Géraldine, Henri Golant,

The Good Criminal de Mark Williams avec Liam Neeson permet de passer un bon moment devant un écran. Le scénario n'a rien d'original et il est sans surprise, mais il tient la route. Tom (Liam Neeson) ne s'est jamais fait prendre alors qu'il a forcé 12 coffres-forts avec au total un butin de 9 millions de dollars sans une goutte de sang. Il a commis ces délits sur plusieurs années. Quand il rencontre Amy Wilkins qui s'occupe de louer des pièces pour garde-meubles, il en tombe amoureux, et décide un an plus tard de se livrer à la police. Il n'a pas dépensé un cent et il compte rendre tout cet argent. Bien entendu, il va se trouver face à des agents du FBI intègres et à un duo de flics dont l'un est un "pourri". Il y un peu de suspense. L'histoire se passe à Boston que malheureusement, on n'a pas l'occasion d'admirer. Par ces temps de covid, cela se laisse voir.

A Dark, Dark Man de Adilkhan Yershanov est un film Kazakh d'une lenteur pesante. J'ai un peu somnolé au début. Les étendues désertiques à perdre de vue du paysage n'aident pas à se réveiller même si les montagnes au loin sont belles. Il faut reconnaitre qu'il y a un très beau travail sur la photo. Pour en venir à l'histoire, un jeune flic est chargé d'éliminer un homme un peu simplet qui a été désigné comme coupable, par d'autres flics, d'un meurtre qu'il n'a pas commis. Ce n'est pas la première fois que cela arrive. Sur ces entrefaites, une jeune journaliste avec L'esprit des Lois de Montesquieu dans son sac à main vient pour écrire un article sur ce qui se passe et les exactions commises par les forces de l'ordre. Il faut noter que le film dure plus de deux heure et qu'il y a au moins cinq spectateurs qui sont partis avant la fin, alors que d'autres ont beaucoup aimé. Je suis entre les deux. Lire le billet de Pascale.

Voici deux films que j'ai beaucoup appréciés.

Antebellum de Gerard Bush et Christopher Renz, que j'ai apprécié car j'ai été surprise par l'histoire très bien menée. C'est un film malin qui se passe a priori à deux époques: pendant la Guerre de Sécession et de nos jours. Dans une première séquence, on est plongé au temps de l'esclavage, des champs de coton, des femmes esclaves battues et violentées, des blancs en uniforme de confédérés abusant de la situation et allant jusqu'à tuer. Une femme noire, Eden, semble vouloir se révolter et sortir de cet enfer. Dans la séquence suivante, on voit cette même jeune femme de nos jours. Elle s'appelle Véronica et milite pour les droits civiques. Mariée, elle est la mère d'une petite fille. Au cours d'une tournée de promotion, elle est enlevée. Le lien qui relie les deux époques est un téléphone mobile qui sonne. Il semble que le bouche à oreille marche bien à Paris car le film est toujours à l'affiche au bout d'un mois. C'est mérité, j'ai passé un très bon moment pendant ce film à suspense qui tient ses promesses jusqu'au bout.

Billie est un documentaire déchirant qui évoque la courte vie de Billie Holliday (1915-1959), l'une des plus belles voix du blues. Née à Baltimore, Eleonora Harris Fagan n'a pas connu son père et elle a été élevée par sa mère. On apprend qu'elle a été violée dans son enfance, qu'elle s'est prostituée à 13 ans et qu'elle a commencé à chanter dans les années 30. Elle s'est fait battre par presque tous les hommes qu'elle a croisés, ses amants, des proxénètes ou ses maris. Elle aimait les hommes et les femmes. Elle avait une vie sexuelle pas simple. Elle est morte ruinée à 44 ans, d'une crise cardiaque. C'est terrible de voir la métamorphose physique de Billie Holliday, une jeune femme plutôt replète qui est devenue presque un squelette avant sa mort. Le réalisateur James Erskine s'est servi de bandes audio et vidéo qu'avait rassemblé une jeune journaliste qui y a passé 10 ans de sa vie. Elle s'est défenestrée en 1978 (pour la famille, cette mort semble suspecte). Pour en revenir à Billie Holliday, on l'entend chanter et on l'entend aussi parler lors d'interviews. Mais on entend surtout les témoignages de ceux qui l'on cotoyée. Toujours est-il que le film donne envie d'écouter Billie Holliday. C'est ce que j'ai fait en rentrant chez moi.

Lire le billet groupé de Pascale.