Comme il n'y a pas que le cinéma américain ou français dans la vie, voici deux films venus "d'ailleurs" que je vous conseille avant qu'il ne soit trop tard. Ces deux films sont sortis malheureusement dans très peu de salles à Paris. Quant à leur sortie en province, je ne sais pas ce qu'il en est.

Je commence par Ixcanul, un film guatémaltèque à l'affiche depuis le 25 novembre. Ixcanul signifie "volcan" dans une des langues Mayas parlée par les protagonistes du film. Au pied de ce volcan. Maria, 17 ans, travaille à la plantation de café, tout comme son père et sa mère. Ils sont pauvres et ne parlent pas espagnol, au contraire du contremaître. Ce jeune veuf d'une trentaine d'années avec trois enfants voudrait bien épouser Maria qui, elle, aime Pepe, du même âge qu'elle. Pepe rêve de partir aux Etats-Unis, là-bas, derrière le volcan. Une nuit, Maria couche avec Pepe et elle tombe enceinte. Le film joué par des acteurs pour la plupart non professionnels s'inspire d'une histoire vraie: les bébés volés à la naissance pour être adoptés par la suite. On y parle aussi de serpents venimeux qui nuisent aux plantations. Certaines scènes entre la mère et la fille sont d'une grande douceur. On touche à l'intime. Il y a des maladresses mais j'ai été touchée par cette histoire. Ce film a reçu de nombreux prix dans différents festival dont un à Berlin.

Après le Guatémala, je suis partie retrouver des Béliers en Islande dans un endroit magnifique et pratiquement désert, battu par les vents et où le ciel est bas. Gummi et Kiddi, deux sexagénaires, sont des bergers qui bichonnent leur cheptel de moutons Bolstad. Il faut voir Gummi caresser son bélier favori et lui parler. On sent qu'il aime ses moutons. On apprend assez vite que Gummi et Kiddi sont frères mais ne se parlent plus depuis 40 ans (on n'en saura pas la raison). Quand ils communiquent, ils le font par l'intermédaire du chien de Kiddi. Il apporte des messages dans sa gueule. Les deux hommes font partie d'une petite communauté qui va vivre une tragédie: un des moutons, une bête primée à un concours, a tous les symptômes de la "tremblante". Le verdict est sans appel, tous les troupeaux de moutons alentour sont abattus. Gimmi choisit de le faire lui-même. Il abat 147 de ses bêtes mais en sauve clandestiment une dizaine dans sa cave (dont un bélier reproducteur). Je vous laisse découvrir la suite de Béliers, premier long-métrage du réalisateur Grímur Hákonarson qui a aussi écrit le scénario. Les deux acteurs principaux, très connus en Islande, sont formidables. Le film a été récompensé à juste titre du prix de la section "Un certain regard" au dernier Festival international du film à Cannes en 2015. Lire les billets enthousiastes de Miriam et Chris.

Notre petite soeur de Hirokazu Kore-Eda se concentre sur quelques semaines de la vie de trois soeurs âgée de 19 à 29 ans. Elles habitent ensemble dans une grande maison au Japon. Cela fait longtemps que leur mère, qui vit à Sapporo (une petite ville au bord de la mer), les a laissées se débrouiller seules. Comme elles travaillent toutes les trois, elles sont financièrement autonomes. Quand le film commence, les trois soeurs assistent aux funérailles de leur père, qui avait quitté sa femme et ses filles quinze ans auparavant et ne les avait plus jamais revues depuis. C'est lors de cette cérémonie que les trois soeurs font la connaissance de leur jeune demi-soeur de 15 ans, Suzu. Elles l'invitent à vivre désormais avec elles. J'avoue m'être un peu ennuyée pendant la projection de ce film qui dure 2H06. Il ne se passe pas grand-chose même s'il n'est pas contemplatif. Il n'y a pas de fulgurance, sauf à un moment où les quatre soeurs poussent un cri à l'unisson. L'histoire se déroule calmement, même quand la maman des trois soeurs fait une apparition. Peut-être ai-je été aussi perturbée par ma voisine de siège qui s'est endormie au bout de dix minutes de projection... Je m'attendais à autre chose du réalisateur de Nobody knows. Lire le billet de Yuko et celui très complet d'Alain.

Ni le ciel ni la terre de Clément Cogitore raconte une histoire surprenante, à la limite du fantastique. De nos jours, en Afghanistan, dans un poste de contrôle, un chien, puis trois soldats français disparaissent. Ils se sont comme évaporés. Le reste du groupe a des réactions de peur ou d'interrogation sur ce qu'ils sont devenus. Du côté des Afghans, certains d'entre eux, habitant le village voisin, ont aussi disparu sans laisser de trace. Une sorte d'union se fait entre les deux camps pour savoir ce qu'il s'est passé. J'avoue que mon esprit cartésien a été frustré par la fin. Je n'ai pas entièrement adhéré à cette histoire. Lire le billet très enthousiaste de Chris.

Régression d'Alejandro Amenabar se passe dans le Minnesota aux Etats-Unis en 1990. L'histoire est basée sur des faits réels. Une vague de satanisme sévit dans la région. Angela Gray (Emma Watson) accuse son père, John, d'avoir abusé d'elle lors de messes noires. John, alcoolique, avoue les faits mais ne se souvient de rien. L'inspecteur Bruce Kenner (Ethan Hawke), aidé d'un psychologue, mène une enquête difficile, qui lui donne des hallucinations au sens propre du terme. Si vous avez aimé Les autres du même réalisateur, n'allez pas voir ce film, qui manque souvent de subtilité dans les effets spéciaux et dont l'intrigue est emberlificotée. On se dit à la fin "tout ça pour ça", c'est-à-dire pas grand-chose. Lire le billet de Tinakiller.

Le labyrinthe: la terre brûlée de Wes Ball est la suite du Labyrinthe que j'avais aimé. Dans Le Labyrinthe: La Terre brûlée, Thomas et quelques autres s'échappent d'un lieu sinistre où sont menées des expériences médicales. Ce lieu appartient à la puissante organisation appelé Wicked. Wicked est dirigée par une scientifique Ava Paige, une femme froide, pas sympathique, qui n'a aucun état d'âme. Thomas et les autres se retrouvent dans un paysage désolé, desséché par le soleil. Ils vont devoir faire face à des êtres humains qui ont muté à cause d'un virus très contagieux. Des hommes de main de Wicked poursuivent les jeunes fugitifs. Le film n'est qu'une longue course poursuite assez haletante mais un peu monotone à la fin. J'attends néanmoins la suite (Le remède mortel dont la sortie est prévue en 2017). En effet, ce second volet se termine sur un suspense insoutenable, si je puis dire. Lire le billet de Rock07 (Roland).

Prémonitions d'Alfonson Poyart est un film produit et interprété par Anthony Hopkins. Son rôle y est celui d'un médium qui est engagé par le FBI pour trouver un "serial killer". Sans dévoiler le noeud de l'intrigue, je dirai que le point commun des victimes du tueur était qu'elles étaient tous des morts en sursis. Je suis allée voir ce film car j'avais vu que Colin Farrell (un acteur que j'apprécie) était au générique. J'ai été déçue de constater qu'il apparaît tard et très peu à l'écran. Un film regardable mais pas indispensable. Lire le billet de 100drine.

Grand prix du jury au dernier festival du film de Cannes en 2015, Le fils de Saul est suffocant. Le plan séquence d'ouverture juste avant que le titre du film apparaisse vous laisse pantois. Une image floue devient nette, quelques hommes apparaissent dont un en particulier, Saul Auslander, un Juif hongrois faisant partie d'un sonderkommando. La caméra suit Saul quand celui-ci arrive à la porte des chambres à gaz. Nous sommes en 1944 à Auschwitz-Birkenau. Il fait partie des hommes qui ont été choisis pour assister les SS dans la solution finale. Des hommes, femmes et enfants à qui on promet un repas sont entraînés vers une immense pièce pour prendre une douche. La porte métallique refermée, on entend des cris, les gens tapent sur la porte. Pendant ce temps-là, Saul et les autres prennent les vêtements qui sont fouillés: on récupère l'or ou tout ce qui est précieux. Le gaz ayant fait son oeuvre, les corps sont traînés par terre vers les fours crématoires. Cette séquence d'ouverture est marquante pour les bruitages: les cris des victimes, les vociférations des SS, le bruit de la porte métallique de la chambre à gaz et divers autres sons. On a du mal à respirer. Parmi la dernière fournée des victimes quand la porte est rouverte, un jeune garçon respire encore (pas pour longtemps). Saul croit reconnaître son fils. Il n'aura de cesse de trouver un rabbin pour que le garçon soit enterré selon le rite juif et non brûlé comme un vulgaire "stück" (pièce, morceau en allemand). C'est par ce terme qu'étaient désignés les Juifs. Ce mot est prononcé plusieurs fois. Le réalisateur a choisi de filmer caméra à l'épaule et de suivre Saul (Géza Röhrig, inoubliable) au plus près. Il ne le lâche pratiquement pas sauf au plan final. Tout ce qui se passe autour de Saul est souvent flouté ou hors champ, ou filmé de loin. Beaucoup de scènes éprouvantes nous sont épargnées. En revanche la bande son est suffisamment évocatrice pour se figurer ce que l'on ne voit pas. Les autres membres du sonderkommando se demandent pourquoi Saul s'occupe plus d'un mort que d'un vivant. Il répond que "nous sommes déjà morts". Tout est dit. J'espère que je vous donne envie de voir ce très grand film d'un réalisateur de 29 ans. Lire les billets de Chris, ffred et Alain.

En sélection officielle au dernier festival de Cannes (mai 2015), The Lobster du réalisateur grec Yorgos Lanthimos narre une histoire étrange. Ce film surprenant qui peut dérouter les spectateurs se découpe en deux parties (d’une heure chacune) assez distinctes. J’ai préféré la première à la deuxième. En revanche, la conclusion m’a plu.

Dans la première partie, dans une époque future (?) et un pays indéterminé, le célibat est interdit. Comme David vient de perdre sa femme, il n’a plus que 45 jours pour retrouver l’âme sœur, sans quoi il sera transformé dans l’animal de son choix (il a choisi le homard qui peut vivre centenaire). C’est dans un hôtel sans âme au bord de l’eau que David séjourne accompagné d’un chien (c’est son frère, qui n’a pas réussi à trouver la bonne personne). David (Colin Farrell bedonnant est très sobre) et quelques autres peuvent retarder l’échéance en participant à des chasses obligatoires: ils traquent dans la forêt voisine des «solitaires» résistant à ce système. Ils leur tirent dessus avec des balles hypodermiques. Ils gagnent un jour par personne touchée. Dans l’hôtel, malgré le fait que les célibataires des deux sexes se côtoient, les couples ont du mal à se former. L’amour n’a pas trop sa place. Ce sont souvent des caractéristiques physiques ou physiologiques qui rapprochent les célibataires: saigner du nez, boiter. David qui paraît insensible est attiré par une jeune femme sans coeur aux instincts meurtriers.

Dans la deuxième partie du film, David s’est enfui de l’hôtel pour une raison que je ne vous dévoilerai pas. Il se réfugie parmi les solitaires, où les relations sexuelles sont bannies. La vie des solitaires n’est pas confortable et pas plus enviable que celles des couples. David rencontre une jeune femme myope (Rachel Weisz) qui aime manger les lapins. Le groupe des solitaires est dirigé par une femme (Léa Seydoux), véritable chef de guerre qui ne supporte pas que David et la femme myope tombent amoureux.

Je ne vous dirai rien de plus sur ce film aux scènes souvent provocantes et parfois incongrues. C’est grinçant, parfois cruel. Rien que la scène d’ouverture, une femme qui tire plusieurs coups de feu sur un âne, donne le ton de tout ce film iconoclaste.

En revanche, j’ai trouvé que L’homme irrationnel, le dernier film de Woody Allen, manquait de cruauté et d’immoralité. Abe, qui est prof de philo, arrive dans une petite ville universitaire de l’est (à Providence) pour enseigner durant un semestre. Il entame une relation avec une collègue professeur de son âge, et une liaison avec Jill (Emma Stone), une de ses étudiantes. Il s’ennuie, n’a pas d’entrain pour faire des choses. Jusqu’au jour où incidemment, il décide de supprimer un juge en charge de divorces. Il commet le crime parfait, semble-t-il. Bien entendu, un grain de sable fait tout capoter. C'est un film léger malgré le thème, mais un peu trop moral à mon goût. Joaquin Phoenix est très bedonnant et Emma Stone toujours charmante. A vous de voir.

Belles familles de Jean Paul Rappeneau m'a plu pour son rythme trépidant (qui m'a fait penser au film Le Sauvage de 1975 du même réalisateur). On n'a pas le temps de réfléchir sur le scénario qui comporte des invraisemblances (mais ce n'est pas grave). La mécanique est bien huilée. Jérôme Varenne (Mathieu Amalric) est de passage en France avec sa fiancée chinoise car il vit à Shanghaï. Il apprend que le beau manoir de sa famille est presque vendu et cherche à en savoir davantage. Pour ce faire, il renoue avec son frère Jean-Michel et sa mère Florence (Nicole Garcia). Il va aussi faire la connaissance de Florence (Karine Viard) et de la fille de cette dernière, Louise (Marine Vacth), qui ont représenté la deuxième famille (la vie cachée) de son père décédé avec qui il ne s'entendait pas. La vente de la maison est au coeur d'une opération immobilière pas très nette qui se déroule dans une petite ville de province dont le maire est secrètement amoureux de Florence. André Dussolier, dans le genre obséquieux, est parfait dans son rôle. Je n'ai pas boudé mon plaisir.

Elser d'Oliver Hirschbiegel raconte avec de nombreux flash-back ce qui a amené Georg Elser, un Allemand souabe jurassien, à attenter à la vie de Hitler en fabriquant et armant tout seul une bombe artisanale. Cette bombe a explosé treize minutes trop tard un soir de novembre 1939 dans un grand lieu de réunion à Munich. Quand eut lieu l'explosion (qui provoqua la mort de huit personnes), Hitler venait de quitter la salle après un discours. Georg Esler, ébéniste de métier, était un homme banal proche du parti communiste. Il ne supportait pas les exactions contre la population allemande perpétrées par les nazis depuis qu'ils étaient arrivés au pouvoir. On assiste à quelques scènes de tortures un peu pénibles, qui alternent avec des souvenirs du passé quand Georg rencontre Elsa à un bal en 1934 et le début de leur histoire d'amour alors qu'Elsa est déjà mariée. Georg Elser ne fut pas exécuté tout de suite car les nazis voulaient pouvoir l'interroger encore et encore, car ils ne voulaient pas croire qu'il avait agit seul. Jusqu'en 1945, il fut détenu à Dachau avant de mourir d'une balle dans la nuque tirée le 9 avril 1945, un mois avant la capitulation de l'Allemagne. Le film est un peu didactique, mais il a le mérite de faire connaître un homme qui est resté longtemps méconnu. Ce n'est que dans les années 1990 que l'on l'a reconnu comme résistant contre le nazisme.

Un matin, chez elle, Mizuki constate que son mari Yusuke disparu trois ans auparavant est devant elle. Elle venait de préparer sans y faire attention un plat que Yuzuke aimait. Sans être étonnée outre mesure, la première chose qu'elle lui demande, c'est de retirer ses chaussures pour marcher sur le parquet, puis pourquoi il a été absent depuis si longtemps. Il lui explique qu'il est mort par noyade et que son corps a été dévoré par des crabes. Ceci étant établi, il propose à Mizuki de partir avec lui à la rencontre de ceux qu'il a croisés pendant ces trois années. Après un court séjour chez un distributeur de prospectus (un décédé lui aussi), ils vont séjourner chez un couple de restaurateurs bien vivants puis rejoignent un village où Yusuke a donné des cours d'astro-physique. Pendant ce périple, Mizuki et Yusuke vont à nouveau se rapprocher, même si c'est temporaire. Le ton du film n'est pas triste du tout. La mise en scène est importante quant à la façon dont apparaissent et disparaissent les personnages. En tant que spectatrice, je n'ai pas été perturbée par ces rencontres entre morts et vivants, on ne fait pas la différence. Vers l'autre rive de Kiyoshi Kurosawa (Shokuzaï et Tokyo Sonata) a reçu un prix de la mise en scène bien mérité dans la section "Un certain regard" lors du dernier festival de Cannes (2015). En revanche, je n'ai pas été très émue par cette histoire, même si les acteurs sont bien. Je suis restée "en dehors".

J’ai voulu voir ce film après avoir souri à la bande-annonce. J’ai été surprise par le ton du film, qui n’est pas comique malgré la présence de Benoit Poelvoorde et Yolande Moreau. Dieu (Benoit Poelvoorde) existe, il vit à Bruxelles. Il a une femme (Yolande Moreau) et on apprend qu’il a aussi une fille (âgée d’environ 10 ans) appelée EA. EA en a assez d’être confinée dans un appartement sinistre. Son père est un être odieux qui martyrise par ordinateur interposé les humains créés à son image. Pour ce faire, il s’enferme dans une immense pièce où en plus de l’ordinateur se trouvent des milliards (une par humain) de fiches rangées dans des boîtes. Quant à la femme de Dieu, elle a la passion du baseball. EA, pour se venger de la tyrannie de son père, envoie d’un seul clic les dates de mort de chaque humain. A partir de là, le ton du film change: on entre dans le registre du tragi-comique avec une pointe d’onirisme. EA qui est enfin arrivée à s’échapper de l’appartement, part à la recherche de six personnes (dont deux femmes) qui seront les six prochains apôtres. Il apparaît que les apôtres choisis sortent de l’ordinaire: la première a un bras en silicone, un autre fantasme sur les jolies filles aux formes avenantes, une troisième tombe amoureuse d’un gorille. Je vous laisse découvrir les trois autres. Bien entendu Dieu, fou de rage, part à la recherche d’EA qui est secondée dans sa tâche par un SDF. Ce dernier écrit le tout nouveau testament. Le film se laisse voir mais, je le répète, ce n’est pas une comédie. L’ensemble dégage une certaine mélancolie et de la tristesse malgré une fin optimiste.

L'été est propice à des sorties ou des ressorties de films qui sortent dans peu de salles mais qui peuvent attirer des spectateurs curieux.

A Touch of Zen est sorti en deux parties en 1970 et 1971 à Taïwan. Il a été récompensé, en 1975 au Festival de Cannes, du prix de la Commission supérieure technique. Ce prix révèla le réalisateur en Occident. En effet, King Hu (1931-1997) a révolutionné le film de sabre ("wuxia pian"). A Touch of Zen en est une belle illustration même si on peut trouver le film lent, long (il dure 3 heures) et souffrant d'un certain déséqulibre. Le résumé ci-après n'est pas de moi: "Yang Hui-chen, dont le père a été assassiné par la police politique du Grand Eunuque Wei a réussi à s'échapper avec l'aide de deux généraux rebelles. Ayant trouvé refuge dans une citadelle frontalière abandonnée, la jeune fille est repérée par des espions impériaux. Pour l'aider à affronter les gardes lancés à sa recherche, elle trouvera un soutien inespéré auprès de Ku Sheng-chai, un jeune lettré (écrivain public et peintre) qui se révèle un redoutable stratège, et surtout de Maître Hui-Yuan, un moine bouddhiste dont la force spirituelle n'a d'égale que sa maîtrise des arts martiaux…" (source Wikipedia). Cette histoire pas très compliquée en apparence est déroulée au compte-goutte. On met du temps à savoir qui est qui. Il y a quelques flash-back qui expliquent comment et pourquoi Yang Hui-chen et les deux généraux sont devenus excellents au combat (de sabre ou à mains nues). A un moment donné, on croit que le film va se terminer: et bien non, l'histoire repart de plus belle (3/4 d'heure avant la fin) avec en particulier une très belle séquence de combat dans une forêt de bambous verts. On arrive à se demander quand est-ce que le film va se terminer et surtout comment. Ce n'est pas un film très bavard mais il y a pas mal de musique et j'ai trouvé l'image très belle. Ce film mythique (que je suis contente d'avoir vu) a semble-t-il inspiré Ang Lee (pour Tigre et Dragon), Quentin Tarantino (Kill Bill) ou peut-être même Zhang Yimou (Le secret des poignards volants).

Voici deux films qui sont sortis dans très peu de salles à Paris et qui ne se donnent déjà presque plus.

Je commence par Papa lumière d'Ada Loueih, sorti le 29 juillet 2015, que je suis allée voir pour Niels Arestrup. L'acteur joue le rôle de Jacques, qui s'est expatrié pendant trente ans à Abidjan en Côte d'Ivoire. Il était propriétaire d'un hôtel qui a brûlé. L'histoire commence dans un avion début 2011: fuyant la crise ivoirienne, Jacques est assis à côté d'une jeune fille noire métisse. On apprend très vite qu'ils sont père et fille. Jacques et Safi arrivent à Roissy avant de se diriger dans un centre d'accueil à Nice. Safi, qui est grande pour ses 14 ans, apprend à connaître son père (ours mal léché), car, à Abidjan, elle vivait avec sa mère, "pute" "de luxe" qui semble avoir disparue. Jacques trouve un emploi de "dog-sitter" avant de redevenir gérant d'un hôtel tandis que sa fille va au collège. Il ne se passe pas grand-chose, mais l'histoire sort de l'ordinaire. Arestrup est égal à lui-même. Lire le billet d'Alex-6.

Et maintenant, je passe à un film belge sorti le 22 juillet 2015, Je suis mort mais j'ai des amis, réalisé par deux frères nettement moins connus que les frères Dardenne. Guillaume et Stéphane Malandrin ont réalisé un film qui m'a fait penser à ceux de Benoît Delépine et Gustave Kervern, dans le style "foutraque", iconoclaste. Et le point commun entre leurs films, c'est Bouli Lanners, qui s'en donne à coeur joie dans le délire. Dans Je suis mort mais j'ai des amis, le chanteur et leader d'un groupe de rockers quinquas meurt subitement, juste avant un concert à Los Angeles. Incinéré, le chanteur va tout de même participer au concert puisque ses potes rockers (ils sont trois, dont Ivan [Bouli Lanners]) emportent l'urne avec eux. Dany, un militaire et amant du chanteur, va se joindre à leur voyage qui les emmenera au Canada et non aux USA. L'ensemble est sympathique même si ce n'est pas impérissable.

Je voulais évoquer Les nuits blanches du facteur d'Andreï Kontchalovski sorti le 15 jullet dernier. Il est projeté dans peu de salles. Le film est interprété par des acteurs non professionnels. L'histoire se passe de nos jours autour du lac de Kenozero à presque 1000 kilomètres au nord de Moscou. Le facteur Aleksey Tryaptisyn est le seul lien entre les habitants autour du lac et le monde extérieur. Il apporte par bateau le maigre courrier, les pensions de retraite et autres médicaments. Aleksey est un homme affable qui mène une vie régulière (il se lève tous les jours à la même heure) après avoir cessé de boire depuis 2 ans. De temps en temps, un chat gris (un chartreux) vient lui rendre visite (c'est certainement un songe). Il vit seul mais il est amoureux d'Irina, une amie d'enfance. Timur, le fils de cette dernière, est très attaché à Aleksey qui lui fait faire des tours sur son bateau en lui évoquant des légendes plus ou moins effrayantes se rapportant au lac. Ou alors il lui montre une école en ruines qui rappelle la Russie d'avant. Les plans larges sur le lac et le paysage tout autour en été et en automne sont magnifiques. Tout est calme dans ces lieux où il y a l'électricité mais pas l'eau courante. Un matin, Aleksey se rend compte que le moteur de son bateau a été volé et la vie du facteur va être chamboulée. Le réalisateur qui est aussi le co-scénariste nous montre une Russie rurale pauvre mais qui garde une certaine dignité. Le film dure 1H45 et il m'a plu.

Si vous ne devez voir qu'un film cette semaine, je vous conseille vraiment La Isla minima d'Alberto Rodriguez (sortie le 15 juillet 2015). La Isla minima fait partie d'une région peu touristique et peu connue d'Andalousie dans les marais du Guadalquivir. Les vues aériennes de cette région qui ponctuent le film sont spectaculaires. Nous sommes en 1980, pendant la "transition démocratique", 5 ans après la mort du Général Franco. Pedro et Juan, deux flics venus de Madrid, sont chargés d'enquêter sur les disparitions (qui s'avèrent très vite être des assassinats) de deux adolescentes. Pedro va être bientôt père, c'est un jeune policier avec des idéaux. Juan est plus âgé, il a un passé trouble, il a été formé dans les rangs de la police politique franquiste. Cela ne les empêche pas de mener à bien leur enquête et de découvrir le meurtrier dont je ne vous dis rien car on n'en saura pas beaucoup sur lui. J'ai aimé l'atmosphère général du film. Il y a un travail intéressant sur la lumière. Un film que je recommande. Lire le billet d'Alex-6.

En revanche, vous pouvez éventuellement vous abstenir de voir Les Minions. Ayant bien apprécié Moi, moche et méchant et Moi, moche et méchant 2 (surtout ce 2ème opus), j'étais curieuse de voir les Minions dans une histoire écrite pour eux, où ils tiennent la vedette (dans les deux premiers films, ce ne sont que des personnages secondaires). J'avoue avoir été assez déçue. Le scénario m'a paru un peu léger. Les vrais gags sont rares, j'ai très peu ri. On a un petit historique sur l'existence des Minions depuis la préhistoire au temps des dinosaures. Ces minions de couleur jaune (dont certains sont des cyclopes) sont dévoués à des "méchants" (comme le tyrannosaure). Plus tard, on retrouve les Minions au temps des Pharaons, puis disciples d'un vampire et même auprès de Napoléon! Tout ça pour arriver à 1968 où la "super méchante" veut dérober la couronne de la Reine d'Angleterre (rien que ça!). Elle se sert des Minions pour mener à bien son projet. J'ai trouvé ce film de 1H20 + 10 mn de générique assez interminable. Peut-être parce que les Minions ne parlent pas vraiment. Ils s'expriment de manière inintelligible. Et puis la "Super méchante" n'est pas très réussie. Elle est surtout super-prétentieuse. Un film que je ne trouve pas indispensable.

Ce mercredi 24 juin 2015 est sorti un film brésilien que je vous recommande. Une seconde mère d'Anna Muylaert est pratiquement un huis-clos se déroulant de nos jours à Sao Paulo au Brésil, dans une grande maison cernée par des hauts murs dans laquelle Val, la cinquantaine, officie depuis 15 ans. Elle est logée, nourrie et en échange, elle s'occupe de la maison et de Fabinho, le fils de la famille qu'elle a pratiquement élevé. C'est une seconde maman pour ce garçon qui est presque adulte. L'attitude condescendante de Barbara et Carlos, les maîtres des lieux, envers Val, est criante assez vite. Val n'est qu'une domestique. Elle ne fait pas partie du même monde. Elle doit rester à sa place (surtout la cuisine) en toutes circonstances. L'arrivée de Jessica, la fille de Val (elle n'a pas eu de nouvelles d'elle depuis 10 ans), va créer une révolution dans la vie de Val. Jessica est une jeune femme émancipée douée pour le dessin. Elle vient à Sao Paulo pour tenter le concours d'entrée dans une école d'architecture. En attendant, elle s'installe dans la chambre de Val qui est située presque en sous-sol. Jessica n'est pas aussi timorée que sa mère. Elle se considère l'égale de Carlos et de Barbara, qui considère Jessica comme une rivale. Je vous laisse découvrir comment les choses vont évoluer pour Val. J'ai aimé le souffle d'optimisme qui se dégage de ce film interprété par une actrice formidable que je ne connaissais pas, Regina Casé. Lire le billet de Miriam.

Si, dans les jours qui viennent, vous voulez aller au cinéma, ne ratez surtout pas Mustang de la réalisatrice turque Deniz Gamze Ergüven, qui est sorti mercredi 17 juin 2015. Ce film réalisé par une femme (c'est son premier long-métrage) ne peut que vous toucher et vous plaire. Cinq soeurs unies comme les doigts de la main sont libres et rebelles comme des chevaux sauvages. Elles s'habillent en jean, ont des portables et les cheveux longs sur les épaules. Orphelines, elles ont été élevées par leur grand-mère et leur oncle dans un petit village au bord de la Mer Noire au nord de la Turquie, à près de 1000 km d'Istanbul. A la fin de l'année scolaire, en revenant du collège ou de l'école, elles provoquent un scandale quand on les voit s'amuser avec de jeunes hommes de leur âge au bord de la mer. A partir de là, et après avoir profité d'une relative liberté, Lale (la plus jeune) et ses quatre soeurs ont interdiction de sortir. On les oblige à porter des robes grises informes. On leur donne des cours de cuisine car elles sont destinées à être de bonnes futures épouses. Mais Lale, la plus déterminée, veut à tout prix s'échapper de cette maison devenue une prison. Des barreaux aux fenêtres ont été installés. Dans cette société partriarcale, les femmes n'ont qu'à obéir et surtout arriver vierges au mariage. D'ailleurs, la grand-mère et l'oncle n'ont plus qu'un but: marier ces jeunes filles. Ce sont des mariages arrangés conclus très vite. Heureusement que, pour l'aînée, l'homme qu'elle épouse est bien l'homme qu'elle aime. Pour les trois suivantes, c'est une autre histoire. Les cinq jeunes actrices sont magnifiques, on arrive à croire qu'elles sont soeurs. Le film oscille entre tragédie et comédie (il y a des moments assez jubilatoires) et au bout du compte on voit poindre l'espoir. Courez voir ce film, je parie que vous ne le regretterez pas. A l'avant-première à laquelle j'ai assisté, les spectateurs ont applaudi à la fin. Lire les billets de Chris et Alex qui partagent mon enthousiame.

Voici un film singulier sorti le 24 avril 2015 qui peut rebuter beaucoup de spectateurs. Un pigeon perché sur une branche... du réalisateur suédois Roy Andersson clôt une trilogie commencée avec Chansons du deuxième étage (2002) et Nous les vivants (2007). Le film se compose d'une suite de saynètes avec comme fil rouge éventuel la présence de deux VRP spécialisés dans les farces et attrapes (ils souhaitent que les gens s'amusent et soient gais). Dans une petite valise sont rassemblés des dents de vampire dont des canines ultra-longues, un genre de coussin rieur et un masque en caoutchouc représentant un "pépé édenté". Le réalisateur commence très fort avec trois rencontres avec la mort: un homme s'effondre sur le sol de sa salle à manger pendant que sa femme est à la cuisine. Dans une cafétéria, devant un cadavre gisant, la caissière demande si la bière et le sandwich payés par le décédé peuvent intéresser une des personnes présentes. Enfin une vieille femme agonisante à l'hôpital ne veut pas lâcher un sac à main que ses enfants essayent de lui retirer. On peut trouver les scènes inégalesn mais certaines m'ont marquée: la prof de danse de flamenco assez rubiconde qui palpe un des danseurs, la tenancière d'un pub à Göteborg dans les années 40 qui se fait payer avec des baisers, l'évocation de la défaite en 1709 du roi Charles XII de Suède face aux Russes (on le voit arriver dans un bistrot pour aller aux toilettes). Le film se compose de 39 scènes filmées en plan fixe des décors dans des couleurs tirant sur le beige. Les personnage ont l'air aussi lugubres que ces décors. Personnellement, j'ai adhéré au parti pris du réalisateur: pas de vrai scénario mais des plans très travaillés du point de vue visuel et sonore. Ce sont des compositions picturales. Le film dure 1H40; aurait-il été plus long que cela ne m'aurait pas dérangée. Le film, qui n'est déjà presque plus projeté à Paris, a reçu le Lion d'or au dernier festival de Venise en septembre 2014.

Lire les billets d'Alex-6 et Pascale.

Je suis allée voir Le labyrinthe du silence car ce film traite d'un procès dont je n'avais jamais entendu parler. Et j'ai apprécié que ça soit des Allemands qui tournent un film sur un tel sujet. Comme à mon habitude, j'ai vu le film en VO. L'histoire débute en 1958, au moment du rapprochement franco-allemand initié par le chancelier Adenauer et le Général de Gaulle. L'Allemagne, treize ans après sa capitulation sans conditions, ne veut plus entendre parler de la période 1939-1945, comme si tous les nazis s'étaient évaporés après la disparition d'Hitler. Un jeune procureur, Johann Radmann, né en 1930, se donne la tâche de traduire en justice d'anciens SS ayant servi et sévi au camp d'Auschwitz. C'est la première fois qu'un procès concernant l'Holocauste se fait en Allemagne par un tribunal allemand. Dès le début, il est confronté à un mur d'incompréhension. On n'aime pas remuer le passé. Il ne reçoit pas de menaces directes mais l'administration ne fait rien pour lui faciliter le travail. Il a tout de même des soutiens comme ceux d'un journaliste et du procureur général. Le procès se déroulera entre 1963 et 1965. Il y aura 22 personnes "jugées pour des meurtres et d'autres crimes commis de leur propre initiative et non pour ceux qu'ils auraient perpétrés en appliquant des ordres reçus" C'est un film très classique dans sa forme. Certaines scènes sont poignantes (quand les anciens déportés témoignent devant le jeune procureur bouleversé). Les acteurs, que je ne connais pas du tout, jouent tous très juste. Il semble que le réalisateur germano-italien qui est aussi co-scénariste du scénario ait été respectueux des faits historiques. Un bon film que je vous recommande. Sur un sujet voisin, je vous recommande à nouveau L'affaire Collini de Ferdinand Von Schirach. Sinon, lire le billet d'Alex-6 sur le film.

Voici deux films qui n'ont rien voir l'un avec l'autre, sauf que je les ai vus dans la même soirée.

Jauja de Lisandro Alonso est sorti mercredi 22 avril 2015 dans quelques salles à Paris. C'est un film qui sort de l'ordinaire. Les dialogues sont en deux langues, le danois et l'espagnol. Le format de l'image est carré avec des bords arrondis. La lumière tire plutôt vers les tons jaune ocre et gris. Le décor principal est le paysage venté (on entend peu de musique et beaucoup le vent), caillouteux et assez aride de la Patagonie argentine. De nombreux plans fixes s'attardent sur ce paysage. A la fin du XIXème siècle, en plein coeur de la Patagonie, Gunnar Dinesen, un ingénieur danois, et Ingeborg, sa fille âgée de 15 ans, bivouaquent avec l'armée argentine qui est là pour exterminer la population indigène dont le chef habillé en femme se nomme Zuluaga. L'armée est en quête d'une ville mythique appelée Jauja qui a disparu depuis des siècles. Gunnar est nommé capitaine dans l'armée pour l'occasion. Bien qu'il surveille de près sa fille (blonde aux yeux bleus), cela n'empêche pas Ingeborg de s'enfuir avec un soldat. Le père désespéré part à sa recherche. Si vous voulez vivre une expérience cinématographique qui change du tout venant, allez voir ce film un peu abstrait où le rêve et le fantastique se mêle à la réalité. Viggo Mortensen (coproducteur du film) est très bien. En revanche, je n'ai pas compris une partie de l'épilogue qui se passe de nos jours. Lire le billet très complet d'Alex-6.

Et maintenant, je passe à Shaun le mouton (sorti le 1er avril 2015), produit pour partie par les studios Aardman. Nick Park, le créateur de Wallace et Gromit et des poules de Chicken Run, a imaginé le personnage de Shaun, un mouton intelligent, plein de ressources qui, un jour, en a assez de la routine de la ferme où il habite avec six ou sept de ses congénères. Régulièrement, il passe à la tondeuse comme les autres. Il faut dire que le fermier est un as de la tonte. Ces moutons sont gardés par Bitzer, un chien de berger très attaché à son maître. Pour profiter un peu de liberté, Shaun a l'idée d'enfermer le fermier dans une caravane après que celui-ci se soit endormi en ayant compté les moutons. La caravane se met à rouler toute seule et se dirige vers la grande ville voisine. A partir de là, les gags se multiplient. Shaun et les autres partent à la recherche du fermier qui, entretemps rendu amnésique par accident, devient un coiffeur à la mode (il tond les cheveux comme la laine). Ils doivent faire face à un méchant gardien de fourrière digne de Mme Tweedy dans Chicken Run. J'ai vu des clins d'oeil aux films Le silence des agneaux ou Les évadés (The Shawshank Redemption). Il y aussi des références aux films précédents de Nick Park. Le chien Bitzer a un air de famille avec Gromit (en moins intelligent, tout de même). Ce film qui dure 1H20 est très amusant. Le public de la salle (des adultes en majorité) riait beaucoup. Un film à voir et à conseiller.

Autant j'avais aimé La tourneuse de pages (2006) qui réunissait Catherine Frot et Déborah François, autant le réalisateur Denis Dercourt m'a assez déçue avec En équilibre qui est sorti il y a une semaine. Pour résumer, Denis Dercourt est plus à l'aise quand il parle de musique que quand il aborde d'autres sujets tels que les chevaux ou les assurances. Le scénario est adapté d'une histoire vraie. Marc Guermont (Albert Dupontel), un cascadeur à cheval, est devenu paraplégique suite à un accident lors d'un tournage. Il fait la connaissance de Florence Kernel (Cécile de France, rayonnante) qui, en tant que chargée de clientèle d'une compagnie d'assurances, doit convaincre Guermont de signer un accord à l'amiable d'un montant que pour sa part, il juge insuffisant. Il ne veut pas céder. Il rêve de remonter sur son cheval Othello (bel étalon rétif). A partir de là, je m'attendais à voir un affrontement entre Guermont et la compagnie d'assurances. Dercourt évacue le sujet pour se concentrer sur les rêves de Florence dont la vie prend un tournant radical. En effet, licenciée de son travail (je vous laisse découvrir pourquoi), elle se remet à jouer du piano (du Franz Liszt): une passion commune entre Guermont et elle. J'ai trouvé que le film manquait d'articulation, il y a des invraisemblances, des ellipses. Vous pouvez attendre une diffusion télévisuelle. Lire l'avis plus positif de Géraldine.

Je passe à Enfant 44 de Daniel Espinosa qui est, selon moi, un ratage presque complet. C'est dommage car le roman de Tom Rob Smith dont est tiré le film avait des qualités. Dans le film, on n'a aucune présentation des personnages, on ne sait pas qui est qui. En 1953, en Russie, pas longtemps avant la mort de Staline, Leo, un membre de la police militaire est poursuivi par la haine tenace de deux hommes. Le premier s'appelle Vassili (Leo l'avait plus ou moins humilié), et l'autre, un certain major Kusmin, est interprété par Vincent Cassel. Dans un pays où le crime n'existe pas, Leo est amené, par un concours de circonstances, à enquêter sur la mort suspecte de plusieurs petits garçons. A cela se greffe le fait que Leo et sa femme (qui est institutrice) sont exilés loin de Moscou suite à une dénonciation. Tout le monde dénonce tout le monde. Pour moi, le gros défaut du film, c'est le fait que les acteurs assez cosmopolites parlent tous l'anglais avec un accent russe (enfin, à ce que j'ai ressenti). Même des acteurs anglais comme Gary Oldman ou Tom Hardy (Leo) prennent un accent improbable. De plus, le scénario est assez fouillis. On passe d'un plan à l'autre sans raison précise. On n'arrive à s'attacher aux personnages. Il y a même des scènes un peu risibles. Ridley Scott a produit le film, peut-être aurait-il fallu qu'il le réalise.

Je termine avec Taxi (Téhéran) pour remonter le niveau. Ce film de l'Iranien Jafar Panahi à reçu l'Ours d'Or au dernier festival du film de Berlin*. Ce cinéaste dont j'avais apprécié le film Le cercle (en 2000) ne peut pas sortir d'Iran, il a fait de la prison pour des prises de position qui ont indisposé le gouvernement iranien et il lui est interdit de filmer. C'est pourquoi, pour contourner cette interdiction, il a choisi de se transformer en chauffeur de taxi et de placer une caméra sur le tableau de bord du véhicule. Pendant presque une heure vingt, d'un air affable, Jafar roule dans les rues de Téhéran en prenant des passagers surprenants: un voleur à la tire, deux vieilles dames avec des poissons rouges, un revendeur de DVD (qui a reconnu le cinéaste), une femme et son mari à la tête ensanglantée, sa propre nièce de 13 ans, future cinéaste, volubile et au caractère bien trempée, et enfin une avocate qui connait Jafar Panahi et qui a elle-même de gros problèmes avec le régime en place (elle doit être radiée du barreau). Le film a paraît-il coûté environ 32 000 euros. Comme il n'a pas plu au régime en place, il n'a pas eu droit au financement d'un générique de fin (le cinéaste s'en excuse auprès des spectateurs). Comme Alex-6, je vous conseille ce film.

* et non le Lion d'Or au dernier festival de Venise (merci à Tinalakiller pour la correction)

Le réalisateur danois Mikkel Nørgaard a réalisé des épisodes de la série Borgen. Mercredi 8 avril 2015 est sorti son film Profanation (le deuxième volet des enquêtes du département V). Je n'ai toujours pas compris pourquoi Miséricorde (le premier volet des enquêtes du département V écrit par Jussi Adler-Olsen), réalisé en 2013 par le même réalisateur, n'a pas pu être diffusé sur grand écran, ce film précédent est pour le moment disponible en vidéo à la demande depuis fin mars 2015. Je n'ai pas encore lu le roman Profanation (le film m'a donné envie de le faire assez vite), mais il faut noter la violence de l'histoire (comme dans Miséricorde). L'inspecteur Carl Mørck et son assistant Assad se chargent de rouvrir de vieilles enquêtes non résolues. Suite au suicide d'un policier qui est hanté depuis 20 ans par un double homicide commis sur un frère et une soeur suivi peu après par le viol d'une jeune étudiante, Mørck, Assad et une secrétaire nouvellement arrivée nommée Rose vont affronter deux notables danois puissants dangereux et sans scrupules. La police va être aidée par une femme portée disparue depuis 20 ans. J'ai trouvé le film bien fait, le suspense tient en haleine avec une fin violente: très regardable, mais les personnes sensibles peuvent être heurtées.

Je passe à Jamais de la vie, le nouveau film de Pierre Jolivet, avec Olivier Gourmet, impeccable comme d'habitude. Franck (Olivier Gourmet), ancien syndicaliste au chômage pendant 10 ans, occupe depuis peu un poste de gardien nuit en CDD (qui peut se transformer en CDI) dans un centre commercial de banlieue. Il vit seul dans une cité HLM. N'ayant aucune vie sociale, il se rend régulièrement dans une antenne de Pôle Emploi où il se lie d'amitié avec Mylène qui essaye de lui trouver un emploi selon son âge et ses compétences. Elle-même a du mal à joindre les deux bouts en élevant seule ses deux enfants. Depuis quelque temps, Franck repère un 4x4 qui rôde souvent aux alentours du centre commercial. Il pressent qu'un "casse" se prépare. J'ai été frappée par la pesanteur et la tristesse qui émanent du film (les décors y sont pour beaucoup). Il y a pourtant de beaux moments comme le plan du vol de centaines de martinets noirs dans le ciel. J'ai noté qu'il y avait beaucoup d'échanges entre deux personnages: Franck et sa soeur, Franck et son beau-frère, Franck et son patron, Franck et son collègue Ketu, Franck et Mylène, Franck et un jeune dealer, etc. A part une séquence dans laquelle Franck se rend dans un grand restaurant et où il ne se passe rien, le film vaut la peine d'être vu rien que pour Olivier Gourmet. Lire le billet d'Alex-6.

Comme je m'absente de France pendant presque deux semaines, je voulais évoquer un film singulier.

Je conseille en effet Crosswind (La croisée des vents), un film tourné dans un très beau noir et blanc avec une caméra qui avance, recule, fait des aller-retour et passe d'un endroit à l'autre, passant à côté ou entre des personnages figés tels des statues. Et pourtant, on voit que ce sont des êtres vivants. Ils prennent la pose comme s'ils allaient être peints. Il suffirait d'un souffle pour qu'ils bougent, ainsi le tablier d'une vieille femme en haut de marches. Le réalisateur estonien, Martti Helde, a choisi un parti pris esthétique audacieux pour mettre en images les lettres d'une jeune femme estonienne, Erna, qui écrivit à son mari pendant les quinze ans de sa captivité en Sibérie. En effet, en juin 1941, sur ordre de Staline, des habitants (plus de 500 000 mille) des pays Baltes - Estonie, Lithuanie et Lettonie - ont été déportés en Sibérie. Erna en "voix off" lit quelques lettres qu'elle écrit à son mari (elle ne les a jamais envoyées, ignorant ce qu'il était devenu). Car à l'époque, dès qu'ils montaient dans les trains en partance pour la Sibérie (26 jours de voyage dans des wagons à bestiaux sans pouvoir se laver ni presque manger), les femmes et les enfants étaient séparés des maris. Erna a connu la faim, les privations, le viol, les conditions de travail harassantes. Le film qui ne dure qu'1H27 est envoûtant et pas ennuyeux. J'espère qu'il ne va pas disparaître trop tôt des écrans. Dans la salle, le soir où j'ai vu le film, il n'y avait qu'une vingtaine de spectateurs: c'est peu.

Sinon, pendant que je serai au Guatemala, je pense que mon bouton d'Amarillys va pousser de plus en plus. La plante était en sommeil depuis presque un an. Quand j'ai découvert ce bouton, j'ai été très contente. Mon ami m'a promis de l'arroser en mon absence. Et moi, je vous dis à bientôt.

Le dernier loup de Jean-Jacques Annaud nous emmène dans les steppes de Mongolie aux confins de la Chine. Après les ours et les tigres, le réalisateur a donc choisi comme héros de son film le loup mongol (c'était aussi un des surnoms de Gengis Khan). En 1967, un an après la Révolution culturelle sous Mao, deux jeunes étudiants chinois dont Chen Zhen partent en Mongolie intérieure pour deux ans, avec des valises remplis de livres. Ils vont partager la vie d'éleveurs nomades qui s'occupent de centaines de moutons. Ces nomades vivent au contact des loups qu'ils craignent et respectent, à l'image d'Aba, le chef vieux et sage d'un village composé de yourtes. Les loups qui sont des animaux intellligents et dotés d'une immense patience chassent en meute les gazelles qui se reproduisent en grand nombre, ainsi que les écureuils et les marmottes qui ravagent les terres. Malheureusement pour les loups, les autorités chinoises décident de faire disparaître ces prédateurs car ils menacent la sécurité de populations chinoises qui viennent s'installer dans la région. La disparition se fait en deux temps: d'abord les gazelles mortes (conservées dans des congères naturelles) et qui sont la nourriture principale des loups sont prélevées pour être données à la population chinoise (qui, à l'époque, mourrait de faim) - les loups commencent donc aussi à être affamés - et dans un deuxième temps, des fonctionnaires du gouvernement chinois décident d'éradiquer les loups en tuant les portées de louveteaux. Il est dit dans le film qu'ils les dépiautent pour récupérer leur fourrure. Chen Zhen, qui est un garçon sensible, sauve un louveteau et l'élève. Je vous laisse découvrir les péripéties qui émaillent ce film bien fait. Les paysages de Mongolie à perte de vue sont un vrai dépaysement (cela donne envie de partir). On sent que le réalisateur a aimé filmer ces loups, des bêtes au pelage fauve et au regard magnifiques. Un film pour toute la famille, mais la mort des louveteaux (hors champ) risque peut-être de perturber les plus jeunes. Le film, co-produit par la Chine, est adapté du livre Le totem du loup qui est un récit très autobiographique de Jiang Rong paru en 2004, best-seller en Chine. Lire le billet d'Alex-6.